LIMINAIRE

Même si voir ce n'est pas dire

Pierre Ménard — 2025-06-08T07:00:00Z

Un terrain d'exploration sans fin

Dans les dernières salles de l'exposition Le Paris d'Agnès Varda, de-ci, de-là, au Musée Carnavalet des extraits de films de la cinéaste sont diffusés en boucle à côté d'un plan de Paris interactif sur lequel apparaît pour chaque scène le lieu du tournage. J'imagine ce dispositif associé à l'ensemble des films de mon Journal du regard.

Exposition Juste après même si, de Frank Smith à l'espace Même si, Paris 3ème, 29 mai 2025

La vitesse de la lumière

Je marche dans la rue, contournant le chantier de la place du Colonel Fabien. Alors que je longe une zone où plusieurs ouvriers sont en train de concasser le bitume du trottoir, tout près de l'endroit où la ligne 2 du métro sort de la station Colonel Fabien pour rejoindre la station Stalingrad, quelque chose d'inattendu vient brièvement me troubler. Une soudaine baisse de lumière. Pas celle habituelle d'un nuage au printemps qui, balayé par un vent violent, se déplace à grande vitesse dans le ciel, au point de venir occulter la lumière qui baigne le paysage. Non, c'est plus rapide, versatile. J'en viens à douter de ce qui s'est passé, saisi par l'inédite rapidité avec laquelle le phénomène lumineux s'est produit, venant même à douter de l'impression qu'il m'a laissée ; si je n'ai pas tout simplement rêvé le phénomène et ce qu'il a produit en moi. Un court décrochage de lumière. Une baisse d'intensité lumineuse. Comme si le paysage autour de moi avait cessé soudain d'être éclairé. Comme si je me trouvais dans un immense studio, pour le tournage d'un film ou d'une série à grand budget. Ma surprise exagérée attire l'attention des autres passants dans la rue. Les gens se figent à mes côtés, ils m'observent avec stupeur. Cela ne dure qu'un instant, mais leur réaction disproportionnée m'inquiète. Puis ils retrouvent leur marche, leur mouvement, leur activité, cherchant ne rien laisser paraître de leur surprise. Je n'arrive pas à comprendre ce qui s'est passé. J'ai pensé au film The Truman Show de Peter Weir. Tout s'est déroulé si vite. Une brève éclipse de soleil, un éclat lumineux venant m'aveugler sans que je saisisse la provenance de cette lumière. Impossible de savoir.

Ailleurs toujours

Un rêve de fin de nuit. Avec Caroline, nous louons l'ancien appartement de mes grands-parents paternels, qui a été réaménagé en Airbnb, à Pamiers dans l'Ariège. L'appartement est immense désormais. Il a été agrandi en réunissant deux appartement mitoyens. En rentrant de promenade, nous avons la surprise de découvrir que quelqu'un dort dans un des lits. On ne le voit pas, il dort sous la couverture, mais on entend son ronflement régulier et sonore. Deux autres hommes entrent dans la pièce peu après. Ils nous expliquent que l'appartement est loué par d'autres personnes que nous, et que nous devons le partager. Plus nous argumentons que cela ne va pas être possible de rester là dans ces conditions, plus de nouveaux locataires entrent et s'installent tranquillement dans l'appartement, nous ignorant pour la plupart d'entre-eux, au point de nous forcer à partir. Ce qui précipite mon réveil.

Rue Eugène Varlin, Paris 10ème, 13 février 2021

Ce murmure de conversation

Je m'aperçois que j'ai commencé ce journal il y a un an et demi, sans en expliquer la forme spécifique des contacts successifs. Deux photos choisies de manière arbitraire selon leur numéro identique. L'une dans la semaine écoulée et l'autre dans un temps plus ancien. La photographie ne travaille pas dans le présent, mais dans le futur antérieur, permettant de découvrir plus tard ce qui a été vu, une fois lʼimage révélée. Vivre le présent de son expérience comme le passé dʼun futur. Ce que l'on retient, dans la juxtaposition de ces images, raconte les coïncidences et les rencontres, notre cheminement dans l'image. Une pratique des contacts successifs découverte à travers le travail photographique de Denis Roche qui associait régulièrement deux photographies prises successivement sur la même pellicule, contacts successifs dont il définissait ainsi les rapprochements et les résonances sans fin : « J'appelle Photolalie cet écho muet, ce murmure de conversation tue qui surgit entre deux photographies, très au-delà du simple vis-à-vis thématique ou graphique. » Dans cette occasion si particulière où le photographe convoque ses images au « parloir ». Chaque photographie, comme dans une spirale, porte en elle le souvenir de celles qui la précèdent. Dans ce journal, les quatre textes qui accompagnent les deux photographies entrent également en écho, s'entrechoquant parfois, cherchant dans leur différence et leur ressemblance, leurs formes variées, ce qui les réunit dans l'éparpillement du quotidien.

Le cas des cariatides

Pierre Ménard — 2022-05-22T08:00:00Z

Depuis l'appartement que nous avons loué une semaine à Athènes, rue Leonidou, à cheval sur les quartiers de Metaxourgieo et de Kerameikos, j'ai rapidement vérifié l'itinéraire pour nous rendre le lendemain de notre arrivée sur l'Acropole, nous sommes très bien situés, le chemin est court, facile à mémoriser. Pas besoin de noter le nom des rues, l'itinéraire forme un arc de cercle, difficile de se perdre. Ce matin-là, pour éviter le plus possible les touristes, nous décidons de partir tôt, dans l'espoir d'arriver avant la foule des visiteurs descendant par grappes compactes des bus touristiques.

Nous marchons d'un pas décidé. Pas le temps de prendre de photos, me fait remarquer Caroline, quelques mètres devant moi. À mi-chemin une image m'intrigue, arrête mon regard. Je sors à la hâte mon appareil photo de la poche arrière de mon pantalon et je cadre sans vraiment regarder ce que je photographie, une maison étroite, sur le balcon de laquelle j'ai le temps d'apercevoir deux cariatides aux bras presque croisés dont l'insolite présence éclatante dans cette bâtisse à la façade décrépie, à l'abandon comme de nombreux bâtiments en ville, contraste fortement avec l'aspect moderne des statues repeintes récemment. L'ensemble me paraît suffisamment incongru, déplacé pour que je les photographie en passant, sans trop m'attarder. Le Parthénon nous attend.

En revoyant le soir à la maison la photographie que j'ai prise le matin à la volée, en cherchant à en vérifier l'adresse pour renseigner la prise de vue et définir le bâtiment qui abrite les fameuses cariatides, je me rends compte que ces statues me sont familières, qu'elles ne me sont pas inconnues. Cela me saute aux yeux désormais. Il s'agit de la maison aux cariatides photographiée par Henri Cartier-Bresson en 1953, à l'âge de 45 ans.

Photographie de Henri Cartier-Bresson, Athènes, 1953

Cette maison a été construite rue Agion Asomaton à la fin du 19ème siècle, exemple typique du néoclassicisme athénien et de l'architecture vernaculaire de la capitale. Les cariatides ont été créées par le sculpteur égyptien Ioannis Karakatsanis, devenu célèbre pour ses œuvres représentant des personnages de la révolution de 1821. C'est lui qui a créé, entre autres, la statue d'Athanasios Diakos dans la ville de Lamia et Ioannis Kapos sur la hauteur du temple sacré de Panagitsa, à Égine.

Maison aux cariatides, peinture de Yiannis Tsarouchis, 1952

Karakatsanis était propriétaire de la maison, il y vivait avec sa famille. Les modèles des deux cariatides sont l'épouse du sculpteur Xanthi et sa sœur Evdokia. À la mort de l'artiste, sa famille a décidé de vendre la maison.

Henri Cartier-Bresson a photographié la maison avec ses deux cariatides au moment où passaient, dans la rue juste en dessous, deux vieilles femmes habillées en noir, à la mode traditionnelle de l'époque. La juxtaposition de la vitalité des jeunes femmes et de la vieillesse. Les deux femmes qui passent ne sont pas seulement deux vieilles femmes, elles font partie d'un monde ancien, en voie de disparition, un monde qui contraste fortement avec la jeunesse éternelle, la beauté et la gloire des deux cariatides.

« Ces quatre figures, écrit Pierre Fresnault-Deruelle dans son texte Une impassabilité de façade, réunies deux à deux en cette seule proposition visuelle, atteignent à une sorte de perfection structurale puisque le rapport entre les figures en question dit que la vie et la mort, ou encore le beau et le laid, le statique et le dynamique (bras croisés de l'attente, bras ballants de la marche) sont les signifiants de l'ici-bas et de l'au-delà. »

Photographie de Henri Cartier-Bresson, Athènes, 1953

« Je n'ai aucun message à délivrer, rien à prouver. Voir et sentir, et c'est l'œil surpris qui décide », écrivait Henri Cartier-Bresson, dont le regard unique a laissé son empreinte sur le 20ème siècle. « J'ai soudain compris que la photographie peut fixer l'éternité dans l'instant. »

« Dans un faubourg d'Athènes, deux femmes, âgées et sans grâce, passent, tout de noir vêtues. Elles longent la devanture d'un magasin fermé, à l'étage duquel, juste à leur verticale, deux cariatides kitsch soutiennent le toit d'une terrasse. Cette coïncidence, née du hasard « préparé » de la capture photographique, a évidemment quelque chose de cocasse. On est, en effet, tenté de voir dans ces statues les doubles « émancipées » des deux rébarbatives ménagères. Pourtant, belles, jeunes et nues (bien qu'à jamais pétrifiées), les statues forment plus qu'un amusant contraste avec les deux vieilles. C'est qu'affleure ici l'histoire d'une déchéance, qui mènerait de l'Hellade mythique à la Grèce d'aujourd'hui. » [1]

Au sens propre, les cariatides étaient dans l'Antiquité les filles de Caryes, une ville proche de Sparte construite sur les pentes du mont Parnon. En architecture, une cariatide (ou caryatide) est une statue, souvent féminine, servant de support à une charge. Elle remplace avec noblesse, style, et créativité colonnes, pilastres ou tout autre élément architectural.

On trouve à l'Acropole d'Athènes, plus précisément au temple de l'Érechthéion, construit en 406 av. J.-C. un des plus beaux exemples de cariatides. Lors de son séjour à Athènes, Henri Cartier-Bresson a d'ailleurs pris plusieurs autres photographies, notamment sur l'Acropole, dont une photographie de ces cariatides.

Photographie de Henri Cartier-Bresson, Athènes, 1953

Cette photographie semble répéter dans un style différent et beaucoup plus audacieux, car moins flagrant, un lien entre la statue antique et le modèle vivant, dans un cas avec les vieilles femmes grecques et dans un autre avec des touristes qui hantent le site sans réellement le voir, telles des figures fantômes qui cherchent le lieu de leur incarnation. Et dans cette captation qui n'est pas mise en scène mais conjonction de planètes, rencontre des opposés, ce que Denis Roche appelait « la montée des circonstances » lorsqu'il utilisait son retardateur comme comme on apprivoise la mort, faisant de l'instant de la création, la saisie de ce qui nous dessaisit.

Denis Roche, 27 mars 1981, Denderah, Égypte

Ce qui se déroule dans cette photographie, cet aller-retour du photographe interrompu à mi-parcours, l'inscrivant dans ce mouvement de la marche, fuyant, et de sa femme qui le regarde par appareil interposé, dans cette absence, sans qu'aucun regard ne se croisent ou soient visibles à l'image. C'est dans un entre-deux, saut dans le temps et à travers l'espace, que le visible prend forme, le regard s'affirme, à travers l'appareil, invisible, dans le regard appareillé. Il intervient dans le déplacement physique du photographe, entre le lieu où il appuie sur le déclencheur et l'endroit où il n'est pas, où il n'est plus. Au-delà de ce seul déplacement physique, ce mouvement révèle sa dimension temporelle, entre rapprochement ou espacement de la prise de vue, dans la distance entre le temps vécu et le temps représenté, comme dans le transfert du regard du photographe à un instant donné à celui d'un regardeur à un tout autre moment.

« … dans la littérature, le temps est intense, mais il ne marche jamais à la fraction de seconde, il n'est jamais brutal, il est toujours tendu, alangui un peu, même intense, mais sur un long moment, à l'intérieur duquel on vadrouille un peu, voilà. Tandis que là, moi je vadrouille avant l'image, très longtemps, des semaines, des mois, et puis le temps se réduit, j'arrive au moment où j'ai prévu de faire la photo et tout d'un coup je suis devant la chose à photographier, et je fais la photo, et donc tout se réduit avec une brutalité, je disais lyrisme et c'est la même chose, tout se résout, tout est terminé, et après on est au-delà, en une fraction de seconde, et je trouve ça tout à fait bouleversant. On peut comme ça jalonner son existence d'une multitude de moments d'une intensité incroyable, c'est absolument formidable. » [2]

[1] Pierre Fresnault-Deruelle, Une impassabilité de façade

[2] Denis Roche, 1994

Le souvenir s'éloigne mais il revient

Pierre Ménard — 2018-01-28T10:35:00Z

Dans son court essai Pour une philosophie de la photographie, écrit dans les années 1970 et 1980, Vilém Flusser affirme que la photographie fut la première des formes d'image technique à avoir fondamentalement changé la manière dont le monde est perçu, dans le contexte du développement des techniques informatiques. Pour lui la photographie est emblématique d'un âge nouveau de la civilisation : « l'invention de la photographie constitue une rupture dans l'histoire qui peut seulement être comprise par rapport à cette autre rupture historique qu'est l'écriture linéaire ». La première caractéristique de la photographie qu'il développe concerne la lecture des images. Même si l'on peut « lire » une image d'un premier coup d'œil, cela n'est qu'une lecture superficielle. Pour décrypter entièrement une image, l'œil doit rentrer dans la composition, petit à petit, en analyser les éléments et leurs interactions. Une photographie n'est pas univoque. Plusieurs intentions se mêlent dans une image, au moins deux s'y opposent : celle du photographe, et celle de la personne qui regarde. Pour Vilém Flusser la photographie est magique, car elle présente une forme d'éternel retour au même, qui s'oppose à l'histoire, une science, qui elle ne se répète pas. Elle s'oppose en effet diamétralement à la science, à l'une des bases fondamentales de la physique qui veut que toute conséquence suit toujours une cause. Un rapport de cause à effet, dans un sens unique, entre deux événements. Flusser fait le constat que l'appareil photographique dispose d'un nombre de possibilités fini. Les photographies sont donc soit informatives, soit redondantes. On retrouve cette manière de penser et de décrire la photographie dans le récent livre d'Étienne Helmer, paru aux éditions Mix : Parler la photographie.

Le souvenir s'éloigne mais il revient. Comme un fleuve en crue. Ce sont les rives du temps. Mais le temps ne va rien nous prendre. Dans l'inconnu des flaques, le miroir et ses énigmes. La trace de mes pas s'effacent.

Cela n'arrive pas si souvent, mais ce livre, j'avais très envie de le lire après avoir entendu parler son auteur sur Internet. J'avais essayé de le trouver dans la librairie de mon quartier, la Librairie du Canal, mais impossible de le trouver sur le catalogue des livres parus. J'étais donc obligé de l'acheter en ligne sur le site du diffuseur de l'éditeur Mix. Ce soir en sortant de bibliothèque, dans le sas de sortie, sur la table il y avait une pile de journaux reçus dans l'après-midi, ainsi que quelques enveloppes de tailles différentes. Une petite enveloppe jaune a attiré mon regard, mon nom écrit dessus en lettres capitales. C'était le livre que j'avais commandé. Je l'ai ouvert en chemin, parcouru, tout en marchant dans la ruelles mal éclairée, les premières lignes, le cœur battant. Cela faisait longtemps que je n'avais pas ressenti cela pour un livre. Cette attente comblée. Et la lecture du livre a confirmé cet espoir.

« Vivre ne sert qu'à ça → voir les rêves dans la vie → attendre, attendre qu'ils apparaissent et noyautent le Chaos, que des histoires fabuleuses interviennent toujours et encore dans le cours des choses. Pour que nous puissions nous rencontrer. Vous et moi. »

Chaos, de Mathieu Brosseau, Quidam éditeur

J'ai visité la bibliothèque de l'École nationale des ponts et chaussées au cœur de la Cité Descartes à Champs-sur-Marne dans l'Est parisien. Au centre de la bibliothèque dont le site vient d'être totalement réaménagé, repensé, renouvelé, un arbre a été installé. Il s'agit d'un faux. Le tronc a été recouvert de vraies écorces d'arbre, mais les feuilles sont en tissus. Elles ressemblent à de vraies feuilles. L'illusion est troublante. Quand les ouvriers sont venus installer l'arbre, ils ont dû creuser légèrement dans le sol pour y loger le bac de l'arbre, et c'est ainsi qu'ils ont provoqué accidentellement la rupture d'une canalisation souterraine, créant un immense geyser au centre de la bibliothèque J'ai souri en pensant au nom de cette nouvelle bibliothèque : La source.

Denis Roche, 27 mars 1981, Denderah, Égypte

Ceci n'est pas une photographie touristique au sens propre du terme, même si l'on devine aisément que ce couple (le photographe et sa femme) se trouve dans le temple égyptien dédié au culte de la déesse Hathor situé à Dendérah en Égypte. La composition de la photographie déjoue totalement le style habituel de la photo touristique. Au premier plan, un peu floues, on distingue les jambes du photographe qui marche d'un pas assuré sur le sol sablonneux, son pantalon noir est d'ailleurs recouvert de poussière. Le photographe se dirige vers sa femme assise sur une pierre à côté d'un bas relief à l'effigie du Dieu Bès. La déesse Hathor est la déesse de l'amour, la beauté, la musique, la maternité et de la joie. Bès est représenté sous la forme d'un nain doté de longs bras, de jambes courtes et d'une queue. Son visage rappelle le lion, il est marqué par une barbe hirsute et des sourcils imposants qui accentuent son aspect peu amical. Vêtue d'une longue robe d'été, la jeune femme a la tête baissée, penchée au-dessus d'un vieil appareil de type Rolleiflex, peut-être prend-elle un cliché de son mari ? Mais quelque chose dans le mouvement de ses mains nous indique qu'elle est plutôt en train de régler cet appareil. On n'aperçoit que le bas du corps du photographe, coupé à la ceinture, homme qui marche, qui déclenche la photographie que nous avons sous les yeux à distance. Son ombre est nette, sa forme ramassée indique qu'il fait chaud et que le soleil est haut dans le ciel, proche du midi. Le regard de son vis-à-vis est masqué tout comme celui du photographe qui nous tourne le dos. Ce qui se déroule dans cette photographie, cet aller-retour du photographe interrompu à mi-parcours, l'inscrivant dans ce mouvement de la marche, fuyant, et de sa femme qui le regarde par appareil interposé, dans cette absence, sans qu'aucun regard ne se croisent ou soient visibles à l'image. C'est dans un entre-deux, saut dans le temps et à travers l'espace, que le visible prend forme, le regard s'affirme, à travers l'appareil, invisible, dans le regard appareillé. Il intervient dans le déplacement physique du photographe, entre le lieu où il appuie sur le déclencheur et l'endroit où il n'est pas, où il n'est plus. Au-delà de ce seul déplacement physique, ce mouvement révèle sa dimension temporelle, entre rapprochement ou espacement de la prise de vue, dans la distance entre le temps vécu et le temps représenté, comme dans le transfert du regard du photographe à un instant donné à celui d'un regardeur à un tout autre moment. Cette image parvient à la fois à questionner l'acte photographique, à nous inviter au voyage, bien loin des poncifs touristiques, et dans le portrait en creux de ce couple, nous offrir une magnifique déclaration d'amour.

En sortant de la bibliothèque, je décide de ne pas emprunter le chemin habituel. Je descends la rue de la Grange aux Belles, longeant les immeubles de la Cité. De ce côté de la rue les lampadaires sont inhabituellement éloignés du trottoir, un large terre-plain sur lequel quelques arbres ont été plantés le sépare en effet de la route et plonge les piétons dans la pénombre. Sur le point d'arriver au carrefour où la rue croise celle des Écluses Saint-Martin, la perspective s'agrandit, et l'espace avec lui. Les arbres y sont plus hauts et plus nombreux. Depuis quelques temps les jours s'allongent. Entre chien et loup, je perçois donc tout à coup très distinctement le chant des oiseaux sur les branches des arbres. Leur chant est puissant, les trilles perçants, sonores. Et dans cet environnement urbain, de pierre, de brique et de métal, malgré le bruit des moteurs même si la circulation est à cette heure et à cet endroit plus calme qu'ailleurs, à cette époque de l'année où la température est encore froide, où pas une feuille n'embellit encore l'arbre, un oiseau chante, il est seul en fait. Il chante par intermittence, quatre ou cinq notes seulement, c'est tout, mais avec une telle force qui efface tous les bruits alentour, oblitère les pensées négatives et chasse de notre esprit les futilités qui l'encombre au quotidien. Il y a dans ce trille unique un appel à l'écoute, quelque chose qui nous dépasse et nous grandit dans un même mouvement.

Se perdre à côté de chez soi

Pierre Ménard — 2014-05-18T17:30:00Z

J'ai relu en début de semaine quelques passages du livre Le poids du monde de Peter Handke, la force de cet ouvrage est telle qu'elle a changé le cours de ma semaine, celle-ci transformant les menus faits du quotidien par le regard et l'attention posés sur eux, contrairement à l'habitude, qui nous empêche de les voir au quotidien.

« Ce livre n'est pas le récit d'une conscience mais il en est le reportage simultané et
immédiat. »

Toute la semaine prendre note dans ses carnets (numérique et papier) tout ce qui peut nous passer par la tête de pensées évanescentes, liées à des sensations, des agacements, des douleurs, des préoccupations, etc... tout ce que notre esprit a tendance à mettre de côté, à rejeter... Le but est de se constituer un ensemble, un corpus, que l'on exploitera ensuite.

Un jeune garçon tout maigre, chétif qui parle d'une voix grave, se donne des airs de petite frappe de banlieue, dans ses vêtements et sa façon de se tenir, sa gouaille, boucle d'oreille et crâne rasé, mais qui voyant que je le regarde plusieurs fois, sans raison précise, et sans doute plus intrigué par son allure, ses gestes inquiets que m'inquiétant de ce qu'il pourrait faire, il s'en étonne auprès de son ami qui hausse les épaules, indifférent, manière de dire, ce n'est rien, pas grave, je m'en fiche, passons à autre chose, je suis concentré sur mon jeu. Quelques minutes plus tard, il revient avec un formulaire d'inscription à la médiathèque, écrire n'est pas son fort, penché sur sa fiche d'inscription, dans son application il m'apparaît plus jeune, tout craintif, l'image d'un oisillon à peine sorti du nid passe sous les yeux.

Romain Verger diffuse quelques images sur son blog Membrane et je découvre le travail du photographe espagnol Israel Ariño que je ne connaissais pas.

« La série Prosopographies (du grec prosôpon, qui signifie à la fois le visage et le masque) se situe, comme la série précédente Étude sur l'art de masquer sur le seuil illusoire de la vérité. Ces sculptures agissent comme une métaphore de la figure humaine, placées à l'arrêt face à la mort, mais encore en vie, comme si elles étaient des deux cotés en même temps. Sa visibilité est réduite à un refuge discret et tranquille de la pose et à la proximité physique presque hypnotique qui permet l'intégration du collodion humide, technique inventé par le sculpteur Frederick Scott Archer. »

[1]

Sur le site du photographe, découvrir qu'il s'agit du photographe en résidence dans la ville du Blanc, où je venais régulièrement les étés de mon enfance où je passais mes vacances chez mes grands-parents dans l'Indre, et là où se trouve précisément Anne Savelli en ce moment.

Le nom qui efface la couleur n'est ni un constat, ni le symptôme d'un monde qui disparaît, que l'on aurait perdu. C'était mieux avant n'a pas cours ici. Le photographe espagnol, Israel Ariño, énonce les possibilités d'une transcendance que la sédimentation des jours nous fait oublier si facilement. Se pencher sur le côté inattendu d'un regard, se perdre à côté de chez soi, découvrir ce qui se cache derrière la couleur du quotidien, c'est prononcer Le nom qui efface la couleur. Israel Ariño nous fait redécouvrir que l'évasion intérieure se passe de motif.

Le poids du monde n'est pas un journal au sens habituel du terme ; il ne s'agit ni d'introspection, ni de considérations sur le cours du monde, mais de notations anonymes - encore que personnelles au plus haut point - accessibles à chacun. Anonymes, elles le sont parce que prises au point exact où l'intimité bascule en universalité.

Revenir dans un endroit où l'on n'est pas venu depuis plus de dix ans, en banlieue, dans ces zones pavillonnaires qui recouvrent inexorablement tous les champs de l'île-de-France. À l'époque, la nouvelle médiathèque avait été construite en plein champs ou presque, de nombreux no man's land l'entouraient ou des chantiers de construction à différentes étapes de leur avancement. Tout récemment, des grilles ont été posées autour de la médiathèque pour empêcher les jeunes du quartier de jouer au ballon, de le faire rebondir et frapper au plafond, en l'endommageant. La ville entoure la médiathèque, comme si elle s'était construite autour, tout au moins dans ce quartier. Et désormais la médiathèque est entourée de grilles. Protégée ?

Les bois, les bosquets plantés autour des plans d'eau aménagés à l'époque de la construction de la médiathèque ont eux aussi grandi, se sont étendus, ont proliféré, ce qui semblait très artificiel à l'origine, par rapport au bâti moderne, revêt aujourd'hui un aspect plus naturel, au sens plein du terme. La campagne à la ville.

Le petit garçon un peu en retrait du groupe, au pied de la statue, profite de l'animation, ces camarades agités discutent avec l'accompagnatrice qui lui tourne le dos, pour manger à la hâte son sandwich au saucisson sec. La gourmandise n'a pas d'autre visage. Il est 9h30.

Elle s'endort devant vous tous les jours, elle s'offre à votre regard avec une insouciante légèreté, une habitude régulière. Ce qu'elle éveille en vous c'est un trouble passager. Vous ne connaissez d'elle que son visage les yeux fermés, endormie, le plis qui se forme sur son visage, trace laissée par l'oreiller improvisé qu'elle s'est confectionné avec son sac à main ou sa veste en jean, puis sa silhouette de dos, lorsqu'elle descend du train et vous précède sur le chemin vers le travail. Sa démarche chaloupée.

« S'exercer à réagir par la langue à tout ce qui nous arrive » y compris le plus anodin, le plus ténu, le plus souterrain, tout en remarquant que, pendant le laps de temps où l'on vit ces choses, « la langue se met à vivre, ». Un moment plus tard, cela ne serait pas plus que des faits de langue quotidienne, entendue jour après jour, cette langue insignifiante à force d'être familière, cette langue du « tu-sais-bien-ce -que-je-veux-dire. »

Sur Twitter, Noam Norkhat photographie son intervention lors de l'exposition Flamme Éternelle de Thomas Hirschhorn au Palais de Tokyo, le montage d'images qu'il a réalisé sur place. Des images de La Jetée de Chris Marker comme un jeu de cartes.

« On peut imprimer et coller ce qu'on veut sur le sol, sur les murs alors je colle ce qui me passe en tête : La Jetée... et la scène collée sur un autre plan montre bien que le temps se surplombe lui même, se superpose et se replie. Et les screenshots du fait de leur format se sont accolés par deux sur chaque feuille, certains ne suivent plus l'ordre du film, cartes rebattues dans le temps. »

Au café, cette famille nombreuse (deux filles, un garçon), menues tensions entre les parents qui indiquent bien que dans le couple tout se joue dans l'éducation des enfants.

Se rendre compte que ces imperceptibles tensions, on n'arrivait pas à les trouver suffisamment importantes avant pour les retranscrire, les fixer, pour ne pas les oublier.

Les bras nus des fillettes dans la rue, nostalgie d'une odeur des peaux enfantines chauffées au soleil, que nos enfants nous offrent plus à discrétion.

Je le croise régulièrement sur le chemin de la gare de Melun, lorsque je pars du travail pour rentrer chez moi. Ces derniers temps je marchais vite, ou baissais, détournais les yeux, consultais mon portable. Là, je l'avise de loin, et pourtant à sa hauteur, nos regards se croisent. Je crois avoir réussi à passer à travers les mailles de son attention, mais quelques secondes après m'avoir dépassé, je l'entends m'appeler dans mon dos. Je me retourne. Il me demande s'il peut aller à la médiathèque. Craignant qu'il pense qu'elle est encore ouverte, je lui réponds que nous sommes fermés à cette heure. Il insiste et demande s'il a le droit de revenir à la médiathèque. Il y a quelques mois il en a été exclu pour comportement intransigeant, raciste avec tous ceux qui ne sont pas tunisiens) et d'un naturel violent. Il a l'air en meilleur forme physique, a bonne mine, porte un T-shirt noir sur lequel est précisé en lettres blanches : je suis formidable. Je lui explique qu'il peut revenir à la médiathèque quand il veut, son exclusion n'est pas définitive, s'il revient apaisé, nous l'accueillerons comme tout le monde, et tout se passera bien. À chaque fois que j'évoque son comportement passé, il le remet en cause et s'énerve, le ton monte, je vois le moment où je vais rater mon train, je lui conseille de venir et nous verrons bien son attitude, mais il ne reconnaît pas ses torts, il veut à tous prix avoir raison, je me rends compte alors qu'il n'a pas absolument changé.

Deux amies discutent dans le train de leurs relations sentimentales, la blonde qui a un peu tendance à monopoliser la parole et s'écouter parler, évoque ses amis qui insistent pour qu'elle rencontre certains de leurs proches, mais elle n'est pas très partante, n'est pas dans cette logique là, elle ne comprend pas leur entêtement à vouloir la présenter pour la caser, ça n'engage à rien, prétextent-ils. J'entends : Ça langage à rien.

L'homme, un SDF portant vêtements sales et lourd sac dans le dos, est coincé entre les deux battants des portillons du RER, incapable de s'en défaire. Tous les voyageurs passent à ses côtés en l'évitant soigneusement, empruntant les autres passages, alors qu'il suffit de passer à l'endroit même où il s'est immobilisé comme un insecte prisonnier de la toile d'araignée, pour le libérer de ce carcan.

La femme dans le train qui vous fixe longuement. Vous pourriez commencer à vous demander si vous ne la connaissez pas, si elle ne cherche pas à attirer votre attention, que vous sortiez de votre rêverie, vu la durée cet échange de regards parallèles dont les lignes se croisent mais en des niveaux différents ou d'autres dimensions. Du temps avant de se rendre compte qu'elle est fatiguée, ou simplement distraite, la tête ailleurs, le regard vide.

Le principe des contacts successifs de Denis Roche est lié à la photographie argentique tel que le photographe l'a pratiquée toute sa vie. Que deviendrait-il dans le cadre de photographie numérique ? Ce que je vais essayer d'envisager dans ce nouveau travail photographique illustrant ce texte, qui confronte deux images portant le même titre dans l'ensemble des milliers de photographies que je prends depuis dix ans.

« C'est ainsi que Denis Roche va concevoir ce qu'il a appelé des « photolalies », écrit Danielle Leenarts, dans son texte Denis Roche. La photographie comme art du silence c'est-à-dire des rapprochements d'images distinctes. [2] « J'appelle « photolalie », écrit-il, cet écho muet, ce murmure de conversation entre deux photographies, très au-delà du simple vis-à-vis thématique ou graphique. Dans cette occasion si particulière où le photographe convoque ses images au « parloir ». [3] » En essayant de créer un dialogue entre ses images, Denis Roche tente ainsi de les faire parler, de combler, ne fut-ce qu'un peu, cette faille évoquée entre le projet et l'image. Séparées dans le temps, se rapportant à des circonstances disjointes, ces images, une fois réunies, proposent de nouvelles lectures. Une relation se crée entre elles qui ouvre vers de nouveaux possibles narratifs, au gré de leur interprétation par le spectateur. »

[1] Et le photographe Gustave Le Gray.

[2] Un ensemble d'entre elles a donné lieu à la publication suivante : ROCHE D., Photolalies. Doubles, doublets et redoublés, Argraph 1988.

[3] Cité dans : MAGNO L. (dir.), GLEIZE J.-M (préface), Denis Roche : l'un écrit, l'autre photographie, LYON, ENS Editions, 2007, p.56.

La main de l'aveugle

Pierre Ménard — 2014-01-15T08:30:00Z

En 2012, j'ai pris une photographie tous les jours avec l'appareil photo numérique que j'avais sous la main (iPhone, iPad, Kodak, Canon, etc.) et je l'ai diffusée sur mon Tumblr : Planche-contact, en y associant une phrase trouvée sur l'un des nombreux blogs et sites littéraires que je suis régulièrement sur Netvibes. À la fin de chaque semaine, je reprenais l'ensemble des photographies pour les diffuser dans un article avec le texte que j'avais écrit à partir des phrases trouvées pendant la semaine.

Planche-contact

La photographie, comme l'écriture, est un travail de lecture. Je regarde autour de moi, ce qui retient mon attention (en voyage, en marchant, dans le train) ce qui change sans cesse, c'est comme un récit qui se poursuit, évolue au fil du temps : écrire avec ce qui a déjà été écrit, lire c'est pareil, et regarder aussi.Dans les premières lignes de l'avant-propos à son livre Le boîtier de mélancolie, Denis Roche écrit : « La photographie est la rencontre d'un temps qui passe sans s'arrêter et d'un temps qui ne passe pas, qui ne ressemble à rien parce qu'il ne nous appartient ni de le matérialiser ni de le commenter. Du premier, nous ne sommes jamais que le sable et le solde, du second, nous ne sommes que la transparence. »

Page de sommaire du livre "La main de l'aveugle" de Pierre Ménard

La main de l'aveugle est un recueil de textes écrits autour de certaines de mes photographies publiées au quotidien sur Internet dans le cadre de mon projet Planche-contact qui tente d'analyser ce qui est au cœur de l'acte photographique et du processus créatif : la mémoire, le temps, l'intimité et notre rapport au quotidien, tout ce qui en fait le sable et le solde.

Cette année, j'ai consulté chaque jour les photographies prises l'année précédente, les phrases sélectionnées en regard, et j'ai écrit un texte sur la photographie lorsqu'une image se formait en moi en réaction à cette photographie, parfois pour la décrire (même si ce fut assez rare), souvent pour réfléchir à une idée, une émotion, une impression, une envie, liées à la photographie et ce qu'elle révèle en moi sur le regard que je porte sur la ville, les visages, la mémoire, le quotidien, ou l'intime.

Page du livre "La main de l'aveugle" de Pierre Ménard

Ce livre, constitué de quarante textes, écrits en 2013, est un journal d'écriture photographique, qui peut se lire comme beaucoup de mes livres, dans l'ordre chronologique (en suivant la table des matières) ou dans le désordre en passant plutôt par les lieux évoqués, ou les thèmes abordés).

Vous pouvez le télécharger librement en version ePub , mobi ou pdf :

Regard de l'envers du monde sur son endroit

Pierre Ménard — 2013-03-23T09:00:00Z

Le photographe argentin Daniel Mordzinski, grand portraitiste, collaborateur régulier du bureau parisien du journal espagnol El Pais depuis une quinzaine d'années, accuse le journal Le Monde d'avoir détruit l'ensemble de ses archives et de ses négatifs originaux.

Le journal Rue 89, publie la version des faits selon Daniel Mordzinski qui raconte ce qui s'est passé sur son site :

« Durant plus de dix ans, via le partenariat entre El Pais et Le Monde, j'ai utilisé un bureau au septième étage du Monde à Paris, où je gardais des milliers de négatifs et diapositives originales, qui ont disparu, comme ça, il y quelques jours. »

« Personne ne sait ni ne veut savoir pourquoi ils ont décidé de faire disparaître mon travail. Vingt-sept ans d'attentes, d'espoirs, de nœuds dans la gorge, de nuits blanches, d'angoisses. »

Suite à cette affaire, L'écrivain chilien Luis Sepúlveda a lancé une pétition sur Facebook (dont on peut lire la traduction en ligne) à laquelle les directions du journal Le Monde et d'El Pias répondent avec morgue et mépris dans un communiqué daté du 19 mars].

Cet incident et le contentieux qui opposent désormais le photographe et le journal Le Monde, posent la question de l'archivage des œuvres.

« La photographie n'est qu'une mémoire potentielle, écrit André Gunthert dans son article De quoi l'archive photographique est-elle la mémoire ? dont les qualités d'enregistrement demandent pour être mises à profit des conditions rarement réunies : un espace de stockage dédié, la mobilisation d'une compétence spécialisée et surtout un objectif de conservation à long terme. »

Question soulevée pour nos sites Web il y a quelques semaines par François Bon dans son texte tu fais quoi de ton site après mourir ? en réaction aux billets de Karl Dubost, Scories numériques et de Cécile Arenes, Vestiges. Sous forme de digression, il évoque l'organisation préalable et anticipée de notre tombe numérique : « Si le site est lui-même la trace, le travail de blog, écrit-il, l'accumulation des billets, en est le corpus génétique. »

La mésaventure survenue à Daniel Mordzinski permet tout de même de relativiser l'assurance dont on fait parfois preuve sur ces questions. « La question devient aussi très mineure quand on sait que le web est de toute façon archivé, » affirme ainsi François Bon. Un placard dans une pièce d'un quotidien français comme Le Monde que l'on croyait réservée à l'archivage de ses milliers de clichés, n'est-ce pas finalement aussi peu sûr que l'archivage du robot Heiritrix de la BNF qui peut, du jour au lendemain (la BNF, pas le robot) décider que ce qui a été archivé n'a plus de valeur. Et dans tout ce qu'est-ce qui est archivé : Qu'est-ce qui est gardé ? Qu'est-ce qui nous échappe ? Peut-être faut-il également s'en inquiéter.

Au fond ce qui compte pour nous, comme le dit si justement Karl Dubost en commentaire de cet article, c'est que « le Web n'est ni le lieu de la disparition, ni celui de la conservation. Il est juste le lieu de l'expression libre. »

Au décès en 2007 de son mari, le photographe Lucien Hervé, son épouse Judith entreprend avec l'aide de Illés Sarkantyu une démarche d'archivage. Le photographe a gardé tout au long de sa carrière, dans une multitude de chemises colorées, des tirages de lecture, de test, des planches contacts. Sur ces pochettes, il dessinait, collait, découpait des signes compris de lui seul. Le maniement de ces archives inspire à Illés Sarkantyu la série photographique Memorandum, travail de réappropriation artistique qui est présenté à la Galerie Binôme jusqu'au 30 mars 2013.

« Le memorandum, ou « memo », explique Marguerite Pilven, la commissaire de l'exposition, désigne techniquement toute activité destinée à aider la mémoire dans l'accomplissement d'un travail. Il peut aussi définir la somme d'indications données par une personne à une autre en vue de coordonner une production. Les dossiers photographiés sont des outils de rangement qu'utilisait Lucien Hervé pour ordonner son travail et s'y référer. Illés Sarkantyu les a manipulés à son tour puis a choisi de les conserver pour les exposer aux regards. »

Anne-Marie Garat, en conclusion de son livre Photos de familles donne cette définition de la photographie :

« Un regard de l'envers du monde sur son endroit. Quelque chose qui tienne à un excès de lumière, ou d'ombre, à son absence, à ses masques. À une hésitation entre flou et net, netteté de la perception, jusqu'au leurre aveuglant du mensonge, flou jusqu'aux obscurités aveuglantes des vérités. Où est l'achèvement ? Dans cette traversée des envers, du noir au blanc positifs, négatifs, de la définition du flou, du net, du recadrage, des surexpositions, des pertes consenties, complotées ? »

« Le film est une ville de signes, écrit Éric Rondepierre, dans L'hypothèse, de formes, de lumières, il n'est pas impossible que s'y déroule dans l'image une vie où entre en jeu ces éléments. Mais ce n'est pas là ce qui me charme dans l'hypothèse du film. Je suppose que celle-ci constamment va naître, est née, va mourir, est morte : qu'elle est un enchevêtrement maniéré de tombes et de berceaux. »

80% des films muets ont disparu. Les photographies argentiques sont en danger. Tous les supports sont fragiles et précaires. La question de l'archive, de la conservation et, plus généralement, de la disparition de toute chose, est un abîme sans fond. Et le souvenir des fresques du film Roma de Fellini, qui s'effacent lorsqu'on les expose au contact de l'air, inoubliable.

Cartons, d'Eric Rondepierre

Le travail d'Éric Rondepierre donne à voir une matière iconique nouvelle à partir de films en état de décomposition, il accompagne la question de la disparition en lui donnant un sens esthétique, ressuscitant les êtres et les instants de ces photogrammes, leur redonnant vie et visibilité.

« Dans ces trois séries (Précis de décomposition (1993-95), Moires (1996-98), Les Trente étreintes (1997)), déclare l'artiste dans une interview les taches ne sont plus disposées sur l'image (Annonces), elles ne sont plus l'image elle-même (Excédents), elles apparaissent, en quelque sorte, à l'intérieur de l'image, au sein même de sa matière pelliculaire par une sorte de mutation interne de ses composantes chimiques. Ce qui rend difficilement perceptible la séparation entre l'image proprement dite et les effets de dégradation de son support. Mon choix, plus ou moins conscient, va dans le sens d'une confusion de ces deux registres : l'image intégrant dans son économie figurative les accidents du support de telle façon que l'on puisse croire que ces derniers entrent dans son jeu. Ce qui explique, à regarder les œuvres, que le hasard fasse si bien les choses. »

Dans son émission Regarder voir, sur France Inter, Brigitte Patient invite en septembre 2012 Daniel Mordzinski et Franck Courtès à évoquer le thème : Photographier les écrivains.

Lors de cette émission, Daniel Mordzinski évoque cette photographie de Julio Cortázar que j'aime beaucoup et dont je me suis servi pour relayer sur Twitter l'information de la nouvelle de la perte des clichés du photographe, me demandant si cette photo de Cortázar prise par Daniel Mordzinski avait elle aussi disparu ?

Daniel Mordzinski à Francfort

Je regarde cette photo de Daniel Mordzinski, je l'entends en parler dans cette émission que je découvre un peu par hasard sur Internet. Il décrit la photo mais très vite s'en éloigne, ce qui compte pour lui c'est la rencontre, ce qui s'est passé avant, les circonstances de l'entrevue, ce qu'il plaît à raconter c'est ce jeune homme timide qu'il était, seul à Paris, ne connaissant personne à Paris, et le courage et l'inconscience de la jeunesse qu'il lui fallut pour décrocher le téléphone, après avoir trouvé Cortázar dans l'annulaire, et l'inviter à sa première exposition. Et Julio Cortazar d'accepter et de l'y retrouver. C'est ce que je vois dans cette photo, la timidité du photographe, je crois qu'il a dix-neuf ans à l'époque. On a tous fait ça, se cacher derrière quelqu'un pour avancer masqué et prendre en photo celui ou celle que l'on n'ose pas affronter en face. La tâche noire qui envahit une grande partie gauche de la photographie est un visage derrière lequel le photographe se dissimule pour photographier celui qui l'impressionne. Une même expression pour dire cela : faire vive impression sur quelqu'un : éblouir. Et laisser une image sur une surface sensible.

Ce que je vois c'est la chaise sur laquelle Cortázar est assis. C'est à peine si on la voit. Un détail : cuir et croisillons métalliques. Cette chaise me rappelle celles de la BPI à son ouverture. J'ai découvert l'auteur de Marelle à Beaubourg lorsque j'y travaillais à la Salle d'Actualité. Nous devions mettre en place un débat sur Cortázar en invitant tout ceux qui l'avaient côtoyé à Paris. Je garde en mémoire la figure de Pépé Fernandez (qui l'a rencontré en 1954 à son arrivée à Paris), et leur amitié (la première rencontre dans la chambre de bonne de Cortázar, une fête de bifteck au 54 rue Mazarine à Paris) et toutes les anecdotes qu'il nous a raconté sur Cortázar.

Julio Cortázar à la Bpi au Centre Georges Pompidou

À l'issue du débat, Pepe Fernandez m'a gentiment offert plusieurs de ses photos de Cortázar (de Borges aussi) que je garde précieusement chez moi. J'ai quelques photographies d'écrivain dans mon appartement, mais c'est qu'ils font tous partie de la famille. Je dois faire un aveu d'ailleurs, j'ai toujours pensé que Cortázar était mon grand-père.

Cortázar ne nous regarde pas, il discute souriant, alerte, avec un lecteur, qui lui fait face mais qui nous demeure invisible, caché derrière la silhouette qui couvre la moitié gauche de la photographie de Daniel Mordzinski. Un stylo à la main, il est prêt à écrire.

Mais ce que je vois surtout en regardant cette photo c'est cette ombre qui gagne du terrain. À chaque fois que je reviens jeter un œil sur la photo j'ai l'impression qu'elle s'agrandit, qu'elle mange peu à peu toute la surface de la photographie, masquant progressivement la totalité de l'image, faisant disparaître ce que j'y vois dans la pénombre de ma mémoire. Je ne peux m'empêcher de penser alors à nouveau, sans un léger pincement au cœur, à toutes ces photographies disparues, jetées, par mégarde.

Je me souviens de l'idée d'un film que j'avais eue lorsque je faisais mes études de cinéma. La dispute d'un couple un été dans un café parisien. À l'image, un long plan fixe sur le dessus d'une table en marbre. En voix off, les protagonistes de la dispute, leurs échanges vifs, leurs récriminations. Un geste incontrôlé, l'un d'eux renverse un verre d'eau sur la table. Il le redresse aussi vite, rien de cassé, juste une auréole liquide sur le revêtement de la table. Après un silence, ils reprennent leur dispute où elle s'était arrêtée avant le renversement du verre d'eau. Pendant tout le film, on les entend parler, se souvenir, laisser de nombreux silences s'installer entre eux, se faire des reproches, se crier dessus. Et la seule chose que l'on aperçoit à l'écran c'est cette tâche d'eau qui, avec la chaleur estivale se réduit progressivement, jusqu'à disparaître totalement.

Comme une ombre qui mange lentement le trottoir, ronge le bitume. Une moisissure. Un cancer.

Dans l'avant-propos de son livre Le boîtier de mélancolie, Denis Roche écrit : « La photographie est la rencontre d'un temps qui passe sans s'arrêter et d'un temps qui ne passe pas, qui ne ressemble à rien parce qu'il ne nous appartient ni de le matérialiser ni de le commenter. Du premier, nous ne sommes jamais que le sable et le solde, du second, nous ne sommes que la transparence. »

Daniel Mordzinski pense que ceux qui aiment sa photographie, ce sont surtout ceux qui aiment Julio Cortázar.

Dans la photographie d'écrivains, qui est l'auteur de la photo ? Franck Courtès répondait avec humour à ceux qui lui posaient cette question, que l'auteur c'est lui, et non comme le sous-entend la question, l'écrivain photographié.

Miroir du Temps

Pierre Ménard — 2011-10-01T07:30:00Z

Depuis ses débuts Denis Roche explore les stratégies autobiographiques permises par le dispositif photographique de l'autoportrait aux séries récurrentes d'images prises à intervalles différents, des mêmes lieux et du même modèle, en passant par les rapprochements formels et temporels nés des photogrammes de la planche-contact. Il rend sensible l'obsession du passage du temps, son jalonnement et sa mise à l'épreuve par l'exercice répété du regard photographique.

Photographie de Denis Roche

Dans un entretien à L'Express Denis Roche évoque cette obsession du temps : « Lorsque j'ai rencontré Françoise, ma femme, il était déjà tard, j'avais trente ans. C'est elle qui m'a fait prendre conscience du sens qu'avait pour moi l'acte photographique. J'ai eu le sentiment qu'il fallait rattraper quelque chose, nous photographier partout où nous allions, tout le temps, courir comme Marcel Proust, tenter comme lui de rattraper le temps perdu tout en sachant qu'on n'en aurait jamais fini, que l'on mourrait sans avoir pu écrire le mot « FIN ». Cette façon de vouloir rattraper quelque chose c'est désespéré, foutu d'avance, évidemment. De ce point de vue-là aussi les déchets doivent être conservés : ils font partie du marquage du temps. »

« J'aime cet entre-deux dans lequel une photographie peut m'obliger à m'enfoncer, dans une rêverie qui nous ferait échapper l'un à l'autre ; et j'aime aussi cet aller et retour qui nous fait nous promener sagittalement dans l'espace mitoyen, elle vers moi et moi vers elle », écrit Denis Roche dans le Boîtier de mélancolie en 1999.

Rome, août 2010

Lors de mon voyage estival à Rome en 2010 : Rien n'aura eu lieu que le lieu, au fil de nos promenades dans les rues de la capitale italienne, j'ai pris ces photographies in situ, 22 ans après. Photolalies à la manière de Denis Roche, lieu de l'éternel retour, face à quoi le photographe ne peut opposer que la photolalie, « l'image interminable » qui suspend l'échéance dans le désir et la terreur de l'échéance.

Vers Naples, en Italie, cette photo d'Arnold Pasquier prise cette année, dans le jardin du Miglio à Ercolano.

Le jardin du Miglio à Ercolano, photo d'Arnold Pasquier

Une photo du passé dans une photo du présent :

Stephen Bailey, sur Dear Photograph

Dear Photograph est un projet photographique participatif qui propose à tout le monde d'envoyer une photo ancienne (souvent le portrait d'une personne) replacée dans le décor tel qu'il est aujourd'hui, au moment de prendre la photo, afin de créer des montages, teintés de nostalgie.

McKenzie Dillingham, sur Dear Photograph

Grâce au photomontage le photographe américain Jackson Patterson continue son exploration du récit qui se dégage entre le sujet, l'espace et le temps dans sa série Recollected Memories. Ce travail présente diverses photographies prises par l'artiste mélangées avec d'autres clichés provenant de ses albums de famille.

Dans un entretien sur le site In the in-between Jackson Patterson évoque son travail : « Comment voulez-vous raconter en une seule photo une histoire qui se déroule peut être sur plus d'une centaine d'années dans certains cas ? La réponse la plus courte est, que vous ne pouvez pas. En fin de compte pour moi, il s'agissait de créer l'ambiance de l'histoire. Je ne suis pas sûr que c'est possible de raconter l'histoire réelle dans une seule image, mais les photos ne disposent pas d'un moyen de capturer une ambiance et c'est ce qui m'a le plus intéressé. Et à partir de là, la série a pris forme. »

Recollected Memories, Jackson Patterson

On trouve sur Flickr un mot clé Dear Photograph qui regroupe un nombre impressionnant de photographies.

Dans le dernier numéro de la revue d'ici là consacré au temps sur Publie.net (Le présent n'est que la crête du passé et l'avenir n'existe pas), une série photographique de Sergey Larenkov explore ce même dispositif d'une photographie ancienne inscrite dans une photographie d'aujourd'hui. Les photos montages de Sergey Larenkov, photographe amateur russe, né à Leningrad donne une nouvelle dimension aux évènements de la Seconde Guerre mondiale : "Partout où je vais, je pénètre dans les couches du temps." Son concept : retrouver et photographier des lieux d'évènements historiques dans les villes de Leningrad (aujourd'hui Saint Pétersbourg), Moscou, Prague, Vienne, Berlin ou Paris et de les superposer aux clichés d'époques.

Photographie Corinne-Vionnet

Parmi les trente-six artistes qui exposaient à Arles cet été leurs œuvres entièrement composées à partir de photos anonymes tirées d'internet, retravaillées, le travail de la suissesse Corinne Vionnet qui a compilé des centaines de photographies de touristes trouvées sur internet sur les sites les plus visités au monde, la Tour Eiffel, le Taj Mahal, le Mont Fuji, la Mecque... une quinzaine de sites au total. Pris en photo plusieurs milliers de fois par jour, ces monuments célèbres sont souvent capturés plein cadre, et l'artiste les a superposé pour n'en faire qu'une seule image. Rendus banals par la force de l'habitude, ces sites touristiques prennent une dimension toute nouvelle avec cette série.

Le même endroit, le Taj Mahal sur OpenPhotoVR, le service qui permet d'interconnecter ses photos pour créer un véritable album interactif, intégrant des transitions 3D entre les images et de donner l'illusion d'une navigation visuelle autour d'un bâtiment ou d'un lieu. Le principe est assez simple, il suffit de prendre une vue d'ensemble d'un lieu, bâtiment, monument… de prendre ensuite des clichés des détails qui nous intéressent dans cette vue. Et grâce à ce nouveau service on peut, à partir de la photo principale, dessiner des vues cliquables pour zoomer sur les détails en question. Prenez par exemple en photo le lieu de son choix).

Un site récence les nombreuses expériences photographiques des villes avant-après :

Paris Avant et sa version iPhone

Avec l'application iPhone "Paris Avant" disponible sur iTunes on voyage dans le temps avec plus de 1500 lieux de Paris il y a 100 ans. La réalité augmentée permet de repérer facilement les lieux à voir à proximité et de superposer la photo ancienne du lieu à ce que l'on voit aujourd'hui.

Après Paris, deux nouvelles villes seront prochainement à découvrir sur l'Iphone : « Miroir du temps » de Thierry Schoendorf et « Retrovilles » de Cédric Robergeaud.

Miroir du Temps nous fait voyager dans le temps avec ses clichés d'hier et d'aujourd'hui et nous fait découvrir la ville de Metz par des cartes postales anciennes juxtaposées à des photos récentes pour mieux percevoir les similitudes et les différences marquées par le temps. Le concept est de prendre la photo du même endroit qu'a pu la photographier, il y a un siècle ou plus, l'auteur de la carte postale ancienne.

Réalité augmentée :

« Augmented Reality Cinema » est une application qui permet de revoir certaines scènes de films en rapport avec le lieu que l'on filme. Encore à l'état de concept, une vidéo présente le fonctionnement de ce système qui permettrait de revivre quelques moments cultes de films tournés à Londres tels que Coup de foudre à Notting Hill, 28 jours plus tard ou encore Harry Potter.

« J'ai abandonné l'autoportrait que je pratiquais au retardateur pour me laisser le temps d'entrer dans la photo, d'aller m'y mettre, écrit Denis Roche. Ce n'est plus la peine, je m'efface devant le temps, il est bien plus fort que nous. Le seul art qui rend immortel, c'est le cinéma. Les grands acteurs qui ont symbolisé l'héroïsme, la beauté, sont toujours là puisqu'ils nous parlent. Quand je vois Vivien Leigh et Clark Gable dans Autant en emporte le vent, je pleure. »

Un lieu du temps

Pierre Ménard — 2011-08-29T07:00:00Z

« La photographie est la rencontre d'un temps qui passe sans s'arrêter et d'un temps qui ne passe pas, qui ne ressemble à rien parce qu'il ne nous appartient ni de le matérialiser ni de le commenter. Du premier, nous ne sommes jamais que le sable et le solde, du second, nous ne sommes que la transparence. »

Denis Roche, Le boîtier de mélancolie, 1999.

Tout commence par une promenade.

Invité à Ouessant pour le Salon du livre insulaire, j'ai participé au débat « web livre et enjeux de la création littéraire à l'heure du numérique » animé par Jean Lou Bourgeon pour parler de la revue d'ici là et de la nouvelle version de Comment écrire au quotidien sur Publie.net, avec François Bon, et Gwen Catala.

Juste après je suis parti me promener sur l'île, sans réfléchir où j'allais, marchant droit devant, guidé par quelques repères invisibles.

Ouessant, août 2011

Je considère de plus en plus mon travail photographique de la même façon que mon écriture. La photographie m'aide à voir, à comprendre le monde qui m'entoure, et à écrire. Depuis Le Spectre des armatures, toujours le même projet : Des fragments mobiles, une armature apparaît. Toute une série de signes, d'allusions disparates. Des histoires affleurent, filigranées, morceaux d'un roman, récits à demi-mot, microfictions, nouvelles en devenir. Une succession d'instantanés scintillent, en vrac. Les tableaux fissurés se refont ailleurs. Et les scènes enfuies le sont dans le mouvement qui les tisse.

L'association apparaît d'emblée. Entre sensibilité de l'existence — qui se structure sur une mémoire enfouie, « si reculée, plus irréelle encore que les projections de la lanterne magique » — et ces traces vibratoires de la rouille, de l'oxydation des armatures, qui dessinent spectralement à la surface du béton. L'association : un rapport. Cette dureté de l'existence en présence qui laisse apparaître à la lisière de sa peau, la multiplicité des souvenirs qui la constituent et la soutiennent.
Car il semblerait bien que tout se joue par ces traces de vie d'avant le présent, par ces traces qui ne cessent de refluer des profondeurs pour marquer chaque instant présent de leur marque tangible.

Je marche, le soleil caresse ma peau. Pas de vent. Je pense encore à Detroit ici où rien ne devrait m'y faire penser, m'y ramener ? Je suis sur une île, en Bretagne. Quel rapport avec cette ville des États-Unis ? Qu'est-ce qui m'attire vers cette ville ?

Je ne suis jamais allé à Detroit. Je ne sais pas si j'irai jamais à Detroit, c'est à peine si je sais où se trouve Detroit. Les images que j'ai de Detroit, ce sont les images qu'on a tous de cette ville, Detroit c'est un nom, une région : Detroit, Michigan. Une ville portuaire sur la rivière Detroit. Les bâtiments abandonnés, désertés, à cause de la crise. Dans le Middle West américain. La ville est connue pour son industrie automobile. C'est une ville qu'on appelle : The Motor City ou Motown. L'origine du nom de la ville provient du mot français, détroit, un détroit, nom de la rivière qui la traverse. Je ne sais pas vraiment ce qui m'attire dans cette ville.

Ouessant, avril 1998

Détroit, c'est le siège de la Motown, le berceau de plusieurs styles musicaux, comme le punk et la techno, de nombreux artistes ont y débuté : Iggy Pop, Kid Rock, Martha and the Vandellas, Eminem, Insane Clown Posse, Smokey Robinson, Roland Hanna, Diana Ross, Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Temptations, MC5, les Stooges et les Supremes, The Marvelettes, Aaliyah, The Jackson Five, Mary Wells, The Four Tops, Jay Dee, Mike Banks, Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson, Jeff Mills, D12, Obie Trice, les White Stripes, Mike Posner…

Ouessant, août 2011

L'herbe rase coupée juste devant les maisons, où pour dessiner des chemins à travers champs, chemins de traverses et lignes de désir.

Les épaves abandonnées dans les jardins ouessantins sont toutes numérotées. Troublant d'en dénicher plus de seize au fil de mes promenades.

Gîte à Ouessant, août 2011

Revenir sur ses pas, retrouver d'anciennes traces dans lesquelles on a aucun mal à remettre les pieds, fausse impression que rien n'a changé, pourtant rien n'est plus pareil. Treize ans après je reviens sur l'île, mais j'y reviens seul.

Gîte à Ouessant, août 2011

Ouessant, avril 1998

Au rythme de la marche, les souvenirs reviennent, remontent lentement à la surface. Ce qui change et ce qui ne se transforme pas. La frontière entre les deux est très mince. Mais qu'est-ce qui change au fond ?

L'impression d'être le même, que le paysage autour de moi n'a pas changé (quelques plantes ont poussé, des arbres qu'on a coupé, des maisons qu'on a laissé à l'abandon, certaines sont à vendre et quelques-unes en construction aussi

Cet été, mes filles dessinaient des appartements à la manière de La vie mode d'emploi de Georges Perec .

Elles ont passé de longues heures à composer les différentes pièces de leurs immeubles, qu'elles ont ensuite collées les unes aux autres, les disposant au sol de la maison, sur plusieurs mètres, pour y mouvoir les personnages qu'elles avaient également dessinés, coloriés, puis découpées pour s'amuser à leur faire vivre des aventures, des histoires inventées de toutes pièces.

Je me souviens qu'enfant je passais mon temps à dessiner comme mes filles, mais je dessinais des îles. Je traçais leur contour, le plus effrangé possible, ce dont je me suis souvenu en faisant le tour de l'île d'Ouessant. Puis je plaçais en différents endroits, villes, villages, dessinais vallées, ruisseaux, montagnes, répartissais ports et ponts, et traçais enfin routes et chemins traversant l'île de part en part.

Et comme mes filles, une fois terminé mes dessins je me rendais compte que l'histoire était finie, j'avais passé tout le temps à me raconter des histoires tout en dessinant et une fois achevée mon île, l'histoire prenait fin. Je me souviens que lorsque je passais l'été chez mes grands-parents, je passais mon temps à faire du vélo ou à marcher sur les chemins de campagne, longeant la rivière jusqu'au village, à travers les champs de blé et mes soliloques enjoués.

La série Le Prisonnier utilise habilement ce que Stanley Kubrick nommait « la zone fertile de l'ambiguïté ». En fait, chacun peut voir dans Le Prisonnier ce qu'il a envie d'y voir. « Ciel vide et une route, c'est le début. » Dans le très beau projet Lotus Seven, Christine Jeanney, s'intéresse à cette série :

« Trop grande la fuite, et trop large le Village, bien plus grand que les cartes sur lesquelles on peut suivre les contours, vues d'avions avec la mer et des pans de pays inaccessibles, hors zone, le hors zone aurait été plus facile à penser à étreindre que ce village cerné serti insaisissable entre cailloux et eaux. »

Ligne de désir à Ouessant

« Ça s'enfonce en territoire inconnu, la perte de soi et de nous et de l'autre, on ne sait rien sauf que l'on a la tête baissée, le corps penché vers le centre, appelé, happé vers le sable mouvant, penser le sable, c'est tout ce qu'on peut faire, prisonniers, comme si on nous tenait aux épaules.

C'est là depuis toujours, cet enfoncement, et ça restera jusqu'au bout, seulement mis de côté, ignoré ou passé sous silence, car de multiples bruits viennent brouiller les indices, détourner. On oublie l'enfoncement par instants, on s'en éloigne, on croit qu'il disparaît alors qu'il est simplement hors de vue, on se distrait avec des riens.

On tourne, on tourne autour de l'enfoncement, comme les enfants en rondes, en manège des chevaux de bois, et le clown sur la piste salue, on se déplace, circulaires. Une force nous attire au centre, qu'on passe plus ou moins sa vie à éviter, peut-être plus, plus que sa vie et plus que nécessaire, puisqu'elle est imparable. »

Ouessant, août 2011

Plaisir de la marche dans un espace où l'on a la sensation que tout est à notre taille, à notre portée. Souvenirs d'enfance qui se mêlent à ceux de mon précédent voyage sur l'île. Le texte s'écrit à partir des photographies. Sans en décrire une seule. Elles me permettent simplement de mieux comprendre ce que je ressens, la direction que je prends, le chemin que je suis, en marchant ainsi sur les sentiers de l'île, en reprenant une de nos anciennes promenades de l'époque. Ce qui est en jeu avec ces photographies que l'on prend sur Google Street View sans appareil photographique sont comme ces souvenirs que l'on a d'un moment de sa vie, partiels, tronqués. Lorsqu'on regarde un album photo, les souvenirs viennent dans le désordre avec des « sauts dans le temps. »

On est dans un lieu que l'on reconnaît sans pour autant y être vraiment, sans jamais y être allé, vague impression de familiarité, on retrouve certaines similitudes avec l'endroit dans lequel on se promène régulièrement sans pour autant la reconnaître d'emblée.

Portrait par Caroline à Ouessant en avril 1998

Il y a treize ans, à Ouessant, je sortais me promener seul parfois, à pied ou à vélo, car Caroline était enceinte et ne pouvait pas trop bouger. Notre fille Alice est née quatre mois plus tard. Nous fêtons l'anniversaire de ses treize ans aujourd'hui, en ce lundi 29 août 2011.

« On est sur une île, rien n'y pénètre qu'un rayon de soleil stoppé par les volets, Le Prisonnier sur une île se réveille mais lui veut s'échapper, nous ne savons même pas à quoi ressemblent nos plages serrées, contre nos murs nous tiennent et isolés du bruit nous trions les bruits qui nous parviennent de la télé. »

Ouessant, avril 1998

Je ne suis pas prisonnier sur cet île bien au contraire, je m'y sens libre, libéré.

La pluie, après quelques rares ondées, se met tout à coup à tomber drue, je poursuis mon chemin comme s'il ne pleuvait pas. Dans un virage, sous un bosquet d'arbres, une lune de bitume au sec, je m'arrête un instant. Les gouttes rebondissent sur les feuilles des arbres. J'entends le crépitement de pas invisibles. Plusieurs fois, je me retourne pensant que des promeneurs s'approchent de moi, mais il n'en est rien. Lointains souvenirs.

En voyant la photographie du gîte que j'avais retrouvé, François Bon a laissé ce commentaire sur mon profil Facebook : île faite pour chacun de chacun des chemins pris – sans doute pareille la ville, mais plus difficile les apercevoir ?

Sur l'île dont il est le maître des lieux, Morel, annonce à ses invités qu'il a inventé une machine qui enregistre la vie dans toutes ses dimensions. Chacun de leurs gestes, de leurs paroles, de leurs émotions est capté par sa machine, et ce pour l'éternité. Morel avoue qu'il a construit cette machine au prix de la mort, par amour pour Faustine. Les visiteurs qu'a découverts le narrateur sur l'île qu'il a cru déserte tout d'abord, sont donc morts et vivants pour l'éternité. Son amour pour Faustine grandissant, il découvre le fonctionnement de la machine et décide de se sauver par l'amour et la mort, pour vivre éternellement aux côtés de Faustine.

La trame du récit d'Adolfo Bioy Casares, L'invention de Morel, est une mécanique implacable inspirée du roman policier, qui se transforme en une énigme métaphysique où le héros devra choisir entre la prison du réel et l'illusion libératrice d'une existence « holographique », produite par la machine fantastique – l'invention de Morel.

Quand François Bon a commencé à mettre en ligne ses textes pour la conférence/performance sur St. Kilda, à l'occasion du festival du livre insulaire, à Ouessant, j'avoue ne pas avoir bien compris de quoi il s'agissait et surtout ce qui le motivait, mais sa présentation sous forme d'improvisation, le 24 août 2011, m'a littéralement transporté.

François Bon présente son projet St. Kilda à Ouessant

« Seulement, Kilda en moi est un secret. Kilda est un lieu pérenne de l'atelier personnel, une accumulation silencieuse, un repère. Mais je n'ai pas écrit encore sur Kilda, je ne suis pas prêt : j'ai toujours souhaité, auparavant, retourner en Écosse, rester un temps dans les Hébrides, peut-être me joindre à un voyage vers St. Kilda – seulement je n'en ai pas eu l'opportunité. Pas de plainte : ces opportunités, quand on sent qu'elles sont mûres intérieurement, on s'organise et on les bâtit. C'est intérieurement, que la rencontre avec Kilda n'était pas prête, ni ce que j'attends de ce voyage – aller vers une mer plus sauvage et plus dure, aller dans un lieu du temps. »

Detroit en moi est aussi un secret. Et c'est en passant par Ouessant, en revenant sur cette île, y décelant l'esquisse d'un sentiment d'appartenance, en marchant sur ses sentiers, en longeant ses côtes, en faisant face à la mer, que je l'ai compris et Detroit est devenu comme St. Kilda pour François « un lieu pérenne de l'atelier personnel », qui me pousse à percer ses secrets pour tenter de rejoindre ce qui m'y fascine tant, par-delà le voile des apparences, un lieu du temps.

Ouessant, avril 1998

Aujourd'hui c'est à nous ; demain ce sera à vous

Pierre Ménard — 2011-08-01T13:16:00Z

Sobre et cependant baroque, l'église Saint-Clément offre ses siècles d'histoire aux visiteurs attentifs. Jusqu'en 1812, les morts sont inhumés dans l'église. À partir de cette année là on utilisera le cimetière. À l'entrée gauche de celui-ci, on observe une pierre scellée dans le mur où il est écrit : Hodie nobis ; Cras Vobis, ce qui veut dire : « Aujourd'hui c'est à nous ; demain ce sera à vous. »

Sur la place de l'église on peut découvrir aussi l'ancien presbytère et l'ancien bâtiment de la confrérie, l'ensemble est délimité sur une partie par un beau mur d'enceinte recouvert en pierres de Brando.

En dessous de ce périmètre un nouveau cimetière est en cours d'aménagement.

Baroque dans sa décoration, l'édifice, construit vers 1500 puis enrichi tout au long des siècles, offre plusieurs siècles d'histoire aux visiteurs attentifs. Ce que l'association Chemin de lumière tente de mettre en valeur tout au long de l'année dans le Cap Corse : de chapelle en chapelle.

Tout comme les palazzi, ces grandes maisons patriciennes, construites par des Capcorsins partis faire fortune sur le continent américain ou sur le canal de Suez, les tombeaux monumentaux font partie de l'héritage architectural du Cap Corse.

Ces maisons et ces imposantes sépultures sont, bien évidemment pour ces émigrés, les deux premiers signes extérieurs de richesse et l'expression d'un lien puissant entre les vivants et les morts. Ils ont été construits entre la fin du XVIIe et le début du XXe siècle, aux abords des hameaux, en bordure de route, mais toujours sur des positions en vue et face à la mer.

La main de la nuit tient et guide celle du jour.

Dans La photographie est interminable : entretien avec Gilles Mora, (Seuil, 2007), Denis Roche revient, comme le rappelle Franck Queyraud sur son blog, sur les quatre photographies de sa série de portraits de sa femme Françoise à Pont-de-Montvert, petit village au bord du Tarn où en 1971, ils avaient entrepris un voyage d'été à travers la France profonde qui les avaient menés, entre autres, dans les Causses et les Cévennes : « Je prends des photos. Je dis à Françoise de s'asseoir sur le muret. Je la photographie à peu près centrée : à sa gauche, un bout de la terrasse herbue noyée dans l'ombre des tilleuls, à sa droite, plus franchement, le cimetière en contrebas. Rien de spécial, simplement une photo souvenir (photo 1). Une image sentimentale. » J'ai essayé d'aborder cette série dans le dernier numéro de la revue de création d'ici là. Denis Roche explique, au fil du temps, comment « ce n'est pas la vie qui a changé, mais la mort . » À la fin de l'été 2005, il termine enfin ce projet inscrit dans le temps (quatre photographiques dans ce laps de temps) : « Il faisait un temps magnifique. Tout s'est mis en place, quelque chose qui était de l'ordre du bonheur et de la paix : la quatrième image était bien celle qui fallait. Françoise a changé de position sur ce fichu mur et tout était dit. L'affaire était entendue. Il avait fallu trente-quatre ans pour y arriver et clore, très évidemment la série. »

Avec Caroline, je ne peux pas revenir en Corse, sans penser à sa mère, Eugénie Carozzi, d'origine Corse, de Canaja (Canaille, on prononce en Corse et comme cela lui allait bien) qui a vite quittée la Corse, mais qui, toute sa vie, y est revenue dans les moments difficiles. Elle est morte en 2001, elle est enterrée dans le petit cimetière marin de Santa Maria di Lota, et nous sommes allés nous recueillir sur sa tombe cet été avec nos filles. Quelques heures plus tard, je découvre ce statut de Caroline sur Facebook : « Peut-être dorénavant je n'hésiterai plus, à force je l'apprivoise cette terre, et le poids des souvenirs s'efface sur le sable, dans l'eau sombre du Guadubudghju, sous le vent, dans les nuages effilochés aux crêtes. »

Denis Roche : Dépôts de savoir & de technique

Pierre Ménard — 2004-07-09T11:00:00Z

Cet atelier figure dans l'ouvrage Comment écrire au quotidien : 365 ateliers d'écriture, édité chez Publie.net en version numérique et imprimée : 456 pages, 24€ / 5,99€.

Vous pouvez commander ce livre directement sur la boutique de Publie.net (une manière de soutenir la maison d'édition et ses auteurs) ou en ligne (Amazon Place des libraires, etc.) — et bien évidemment chez votre libraire en lui indiquant l'ISBN 978-2-37177-534-3, distribution Hachette Livre.

Proposition d'écriture :

Réaliser un autoportrait en prélevant des lignes de 61 signes parmi ses papiers personnels (journal intime, papiers d'identités, courriers administratifs) ou des textes liés à ses centres d'intérêt.

Dépôts de savoir & de technique, Denis Roche, Seuil, 1980.

Présentation du texte :

Les Dépôts de savoir & de technique de Denis Roche, sont basés sur le principe inverse de la dissociation maximale des unités alignées (il s'agit invariablement de fragments de 61 caractères typographiques enchaînés sans souci de cohésion sémantique d'une ligne à l'autre). Ces prélèvements superposés-tassés de Denis Roche sont une forme radicale et frontale, énigmatique d'une prose blanche, cumulative, apposante, juxtapositive, coupée-collée, qui produit, à force, une manière de chant. Le chant général (des choses), et puis le cri des machines, et le discours de l'argent. Le chant social des signes. A la fois joyeux et mortifère. Heurtant. Avec ce livre radical, Denis Roche pose la question de la place de la poésie personnelle ? Le défunt Moi. Le lecteur a constamment l'impression que cette poésie est en train d'accoucher de quelque chose. Quelque chose qui ne ressemble à rien.

Extrait :

« 1ère page de 21 lignes, chaque ligne étant de 56 signes pendant que l'histoire réacteur plein du vent de la mort

riveront seuls mercredi 15 h 58 Quiberon. Prière télépho

la mer. (La fiole vide, folie, tout ce qui reste du châ

c'est fou ce que vous me manquez à Tokyo, je vais dire u

à Laon via Mitry Corcy n° 3994372 versement payé jusqu'au

ère Colette, comme tu vois, la canne à pêche a de multip

Kao est le degré suprême du fouting... Avant Kao il n'y

de la menue mort devant le feu à la limite l'air libre b

dis-moi dira-t-elle pourquoi les dieux perdent leur peau

bien dans l'Humidité. Envie de te voir, de dessiner pour

ous voici verticaux sous l'étoile et la beauté nous a bl

à Bruxelles...? Frédéric l'invite avec joie. + vous deux

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Pauvert Parménide Pieyrre de Mandiargues, Pont-Neuf. "Un

ême de loin 1 homme peut tjrs sentir la venue des dernie

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enêtres en boîte" : 1gd dessin & 1 dessin moyen.... 2 000 F

dis-moi dira-t-elle pourquoi les dieux perdent leur peau

pendant que l'histoire réacteur plein du vent de la mort »

Dépôts de savoir & de technique, Denis Roche, Seuil, 1980, p. 171.

Auteur :

Né à Paris en 1937, Denis Roche est un écrivain, poète et photographe français. Il a publié une quinzaine de livres de littérature. Son œuvre de photographe est abondamment publiée depuis 1978, sous forme de livres (dont Ellipse et laps, Maeght, 1991) et d'expositions un peu partout dans le monde. Denis Roche est conseiller littéraire aux Éditions du Seuil et dirige la collection Fiction & Cie qu'il a créée. Il est membre du jury du Prix Médicis.

Membre du groupe Tel quel, traducteur de Pound et d'Olson, toute son œuvre est une entreprise de subversion de la rhétorique traditionnelle (les Idées centésimales de Miss Élanize, 1964 ; Éros énergumène, 1968 ; le Mécrit, 1972). Romancier (Louve basse, 1976), il s'est particulièrement intéressé à la photographie (Notre antéfixe, 1978) et a cherché à définir une écriture nouvelle à partir de l'analyse des strates repérables dans des siècles de littérature (Dépôts de savoir et de technique, 1980 ; Conversations avec le temps, 1985 ; Dans la maison du sphinx, 1992). Son œuvre poétique complète a été publiée sous le titre la Poésie est inadmissible (1995). Aux Éditions du Seuil il a notamment écrit : Louve Basse, "Fiction & Cie", 1976 et Points, 1990 ; Dépôts de savoir & de technique, Dans la maison du sphinx, "La Librairie du XXè siècle", 1992 et La poésie est inadmissible, "Fiction Cie", 1995.

Liens :

Biobibliographie et détail de ses expositions sur Artmag.com

La poésie française depuis 1950 par Jean-Michel Maulpoix : Les tendances : 1960, Figurer

Denis Roche : une magie des images

Extraits d'un colloque sur Denis Roche : L'un photographie, l'autre pas (sur Google Books)